"Foam"- 名和晃平

  日本藝術家名和晃平在日本愛知藝術展中設計了一個充滿泡沫雲的暗室。 他使​​用一種混合洗滌劑加入丙三醇和水來製造出這種多泡沫的裝置，命名為“泡沫”。

日本藝術家名和晃平，生於大阪，09年以來在東京從創作。2013年揭幕新作《泡沫》。
下面是設計圖

名和晃平將其形容為“像一個原始星​​球上的環境”，泡沫雲通過八個不過的位置進行泵​​送，以製造出一種在暗室中持續運動的狀態。 他對這三種制泡沫成分進行了不同比例的實驗，以達到一種不受重力影響的形狀定型。 泡沫不斷的聚集在一起，形成了一種有機的構造。 它們的體量不斷變大，達到飽和後依然膨脹，蔓延到了整個地面。 

資料參考http://news.zhulong.com/read185005.htm

超寫實雕塑-榮•穆克

Ron Mueck

  榮．穆克（Ron Mueck），1958年在澳洲墨爾本出
生，原為模型製作專家，在美國電視台擔任幕後工作近十五年後，投身好萊塢電影特效工業，之後在英國發展。1990年代，穆克開始製作完全擬真的物件供商業攝影，卻陰錯陽差引來英國收藏家查爾斯．薩奇（Charles Saatchi）的興趣，邀請他以《長眠的父親》（Dead Dad）參加名噪ㄧ時的「聳動」（Sensation）巡迴展，穆克就此揚名國際，並於2001年獲邀參加第四十九屆威尼斯雙年展。


  複製穆克父親屍體的模型作品《長眠的父親》，製作極度耗時，穆克甚至將頭髮一根根植入雕塑品，以求絕對擬真，魄人的精緻使觀者亦不得不放慢欣賞的節奏，並在緩慢的觀賞過程中，聽任內在情緒漸漸萌生、發酵。
  
  現代社會最大的特色即是都市的興起和都會化，在這樣一個越趨擁擠的空間中，人和人之間的相互關係產生了變化，也間接影響了榮．穆克的作品。榮．穆克的雕塑作品擅長分析、解析真實世界和夢幻世界的衝突和抵觸。議論、思索、恐懼、無表情、離異等，圍繞在人與人之間或人與自身的互動，但人物所表達出來的情感卻是能直擊人心。他的人體作品強調細節的逼真和細膩，無論是血管，皺紋還是體毛，都如實的被表現出來。

第一眼見到榮·穆克的雕塑作品，除了驚人的逼真程度，尺寸的變化也是在心理上產生衝突感的重要原因。比真人大或小上許多的雕塑，改變了觀看的距離，以及在空間裡的關係。當我們看到放在地上的巨大手掌，像隨時可以活動起來，又或者栩栩如生的迷你人物，像是有體溫心跳，很容易湧現一股熟悉又怪異的感覺，而這些人物的逼真，更容易讓人對作品情境產生認同感。

參考資料http://blog.xuite.net/tinyiliu/ant/11682505

Body Loud - Ryan McGinley 攝影

Ryan McGinley

萊恩麥克金利（Ryan McGinley）曾于紐約帕森藝術設計學院（Parsons School of Visual Arts）學習平面設計，2003年，24歲的萊恩成為在美國惠特尼藝術博物館（Whitney Museum）做個展的最年輕的攝影師。25歲在MOMA當代藝術中心展覽新作。2007年，還未滿30歲的他成為國際攝影中心（ICP）推選出的年度青年攝影師（young photographer infinity awards）



Golden Grassland, 2013

Petra (Pleces), 2013

Blonde Oleander, 2013

Susannah (Swamp Sticks), 2013

 Ryan McGinley的作品離不開青春這個主題，人物以青少年為主，裸露佔據重要成分，構圖直接，用色簡單俐落，充滿了夢幻而純凈的色彩。裸體狂奔，肆意奔跑，見證著叛逆的青春，青春洋溢，又彰顯叛逆，有六七十年代嬉皮士的味道。在每一幅作品中，年輕人的生活都顯得激情而快樂，和自然融合一體。

超現實麵條雕塑《韓麵》- Seung Yul Oh

Seung Yul Oh 

韓國藝術家，後移居並入籍紐西蘭。自2005年於奧克蘭大學美術學院藝術碩士畢業，即參與紐西蘭各地多個展覽，作品亦於香港國際藝術展2011展出。Oh 曾於2005年奪得懷卡托國家藝術獎，2007年獲取CNZ獎學金，並於2010年獲邀參與紐約 Harriet Friedlander 駐場實習計劃，到紐約作藝術交流。

於韓國出生的 Seung Yul Oh ，實作及藝術經驗豐富，作品擁有抽象與想像 in one 的融合力，喜以揉和各式物料創作出嶄新的創意，玩味意境濃厚。

一碗碗「韓麵」裏頭，以綜合樹脂沏入一根根的麵條與各式佐料，眼望著舉得高高的麵條，與色彩鮮豔誘人的配料，在豐富的全球一體文化中，彷彿訴盡韓國那淵遠流長的歷史文化；懸掛的麵條似動非動，充分標示著飲食文化的動態與靜態，既能勾起食慾，又讓人駐足仔細觀賞。

如果我在展場看到這幾件作品真的會很吸引我呢，他把在地下美食街常會看到的假的食物做成藝術品，光是這個點

子，就覺得他真的很有創意，我想這件作品最有趣味和吸引人的地方是尺寸以及細緻度，他把尺寸放大，麵條拉的超級高，並且又做得很細緻逼真。

每一道麵食都是韓國常見的料理，這也是另一種好玩的方式，向世界介紹韓國文化。

Sheet Music Art 樂譜藝術 by Mike Lemanski

Mike Lemanski

Mike Lemanski是一位英國平面設計師，在插圖和排版方面非常出色，他曾與Google，IBM，可口可樂等大公司合作。他所設計的信息圖表和圖形插圖等都習慣用比較硬朗的線條和跳躍的色彩，搭配起來卻有有種不經意間的美感。

會發現這個設計師是因為在網路上剛好看到他的樂譜作品覺得好可愛，於是就查查看，沒想到他的平面設計作品好多阿，而且都很可愛，上面只放了三張，相較於樂譜他的平面設計就簡單化很多，他的用色很大膽，活潑鮮明，用簡單俐落的圖形與線條構出他所要表達的訊息，我覺得他很厲害的一點是因為用色很繽紛，但卻不會顯得雜亂無章，反而清楚的呈現他要表達的資訊，而且每一張他的作品，不管是比較複雜手繪感的樂譜或是簡單設計感的平面設計，都有一種熱情洋溢、活潑開心的感覺，我個人是還滿喜歡他的風格。

山本耀司

黑色同時擁有謙虛與傲慢兩種特質

黑色是慵懶隨性卻神祕莫測的

但總結以上, 黑色其實是在說

"我不煩你, 請你也不要煩我"

 Black is the modest and arrogant at the same time.

Black is lazy and easy – but mysterious.

But above all black says this: 'I don't bother you – don't bother me.'

– Yohji Yamamoto 山本耀司

  山本耀司，1943年，出生於日本横浜；1966年，畢業於慶應大學法律系；1968年，獲裝苑獎，並得到去巴黎學習時裝的獎學金；1970年，從巴黎深造回國，一直活躍在以東京為主的時裝設計界；設計師山本耀司是八十年代闖入巴黎時裝舞台的先鋒派人物之一。他與三宅一生、川久保玲一起把西方式的建築風格設計與日本服飾傳統結合起來，使服裝不僅僅是軀體的覆蓋物而是成為著裝者、身體與設計師精神意韻這三者交流的紐帶。

山本耀司曾經在法國學習過時裝設計，但他並未被西方同化。 西方的著裝觀念往往是用緊身的衣裙來體現女性優美的曲線，山本則以和服為基礎，藉以層疊、懸垂、包纏等手段形成一種非固定結構的著裝概念。

山本喜歡從傳統日本服飾中吸取美的靈感，通過色彩與質材的豐富組合來傳達時尚理的念。 西方多在人體模型上進行從上至下的立體裁剪，山本則是以兩維的直線出發，形成一種非對稱的外觀造型，這種別緻的意念是日本傳統服飾文化中的精髓，因為這些不規則的形式一點也不矯揉造作，卻顯得自然流暢。 在山本耀司的服飾中，不對稱的領型與下擺等屢見不鮮，而該品牌的服裝穿在身上後也會跟隨體態動作呈現出不同的風貌。

我覺得日本設計師很厲害的一點是不容易被西方流行的文化與設計影響，反而能吸收西方的優點之後重新轉化為自己創作的養分，像山本耀司即是，雖然他曾在外國學習時裝，但他的作品卻有濃濃日本的味道，除了用了類似和服的手法之外，我覺得他在顏色的使用上，一件作品不會有太多顏色，幾乎只會是一個顏色，最多兩種，而且大部分都是黑與白，要不然就是紅，還有材質的選用，都讓他的作品給我一種東方禪意、舒適、慵懶、亦新亦舊的感覺。

Sol Lewitt

美國觀念藝術家 Sol Le Witt (1928-2007)，出生於猶太移民家庭的美國藝術家，於1958年成立工作室，並在學院同時攻讀設計，開啟他的創作生涯。於2007年4月8日因癌症病發逝世，享年78歲-

1. Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些? (他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

勒維特是美國60年代的概念與極簡主義藝術先驅，他主張創作應排除所有複雜元素，回到最基本的表現形式，因此他在創作上僅使用簡單的線條、幾何圖形與色彩，在平面的畫布與牆面上組合出多變的造形與奇幻的空間層次感，看著其畫作中既瘋狂又理性的線條，就像是進行一場視覺的測試，不斷重複的色塊與線條，像有 魔力般能將觀者拉進其異境中，絢爛且迷幻，但有時卻又讓人感到眼花繚亂，只好趕緊閉上眼睛免受迷惑。

2. 介紹Sol Lewiit的作品。

1968年以來，Sol LeWitt 創作了數以千計的牆畫。從最初單調的垂線、直線構成畫面，到出現連綿不絕、設計精妙、形狀規整的圓、三角形等幾何元素。作品用色愈發大膽艷麗，材質的選擇包羅萬象，從鉛筆、粉筆、蠟筆、中國水墨到油彩都有所涉獵。

總體而言，黑、白二色是Lewitt牆畫概念的核心，即使是在那些色彩最為絢爛的作品中也一 樣。策展人、獨立藝評家Béatrice Gross解釋說：「籌備的草圖通常用鉛筆勾勒，后按原作指定顏色和深度塗色。黑色和白色真正構築了藝術家的作品：他早期的作品主要使用鉛筆，後期偏愛石墨。」根據所使用的材料和繪畫技藝的不同，黑白表現出強烈的對比，而各種灰度的微妙變化加強了光影的效果，會讓作品更富生機。

作品《Wall Drawing #879》，又名《LoopyDoopy》，標誌著藝術家實踐的劇烈轉向。它有別於初期系統化和模式化的典型風格，是LeWitt作品中的一個異類。

3. 相較於極簡藝術，Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

Sol LeWitt 曾這般說過：「許多成功的觀念都是最直接簡單的，因為那看起來就像是必然如此。」

他強調這類藝術並非有意使觀者感到沈悶無聊，而是認定傳統上經由視覺性修辭所傳遞的情感內容往往會造成一種阻礙。藝術家重視的是「觀念」或「心智過程」的優位性，在此前提下傳訊媒介（形式）越為簡單越好，甚至僅是一種先行理念的附屬品。