Body Loud - Ryan McGinley 攝影

Ryan McGinley

萊恩麥克金利（Ryan McGinley）曾于紐約帕森藝術設計學院（Parsons School of Visual Arts）學習平面設計，2003年，24歲的萊恩成為在美國惠特尼藝術博物館（Whitney Museum）做個展的最年輕的攝影師。25歲在MOMA當代藝術中心展覽新作。2007年，還未滿30歲的他成為國際攝影中心（ICP）推選出的年度青年攝影師（young photographer infinity awards）



Golden Grassland, 2013

Petra (Pleces), 2013

Blonde Oleander, 2013

Susannah (Swamp Sticks), 2013

 Ryan McGinley的作品離不開青春這個主題，人物以青少年為主，裸露佔據重要成分，構圖直接，用色簡單俐落，充滿了夢幻而純凈的色彩。裸體狂奔，肆意奔跑，見證著叛逆的青春，青春洋溢，又彰顯叛逆，有六七十年代嬉皮士的味道。在每一幅作品中，年輕人的生活都顯得激情而快樂，和自然融合一體。

超現實麵條雕塑《韓麵》- Seung Yul Oh

Seung Yul Oh 

韓國藝術家，後移居並入籍紐西蘭。自2005年於奧克蘭大學美術學院藝術碩士畢業，即參與紐西蘭各地多個展覽，作品亦於香港國際藝術展2011展出。Oh 曾於2005年奪得懷卡托國家藝術獎，2007年獲取CNZ獎學金，並於2010年獲邀參與紐約 Harriet Friedlander 駐場實習計劃，到紐約作藝術交流。

於韓國出生的 Seung Yul Oh ，實作及藝術經驗豐富，作品擁有抽象與想像 in one 的融合力，喜以揉和各式物料創作出嶄新的創意，玩味意境濃厚。

一碗碗「韓麵」裏頭，以綜合樹脂沏入一根根的麵條與各式佐料，眼望著舉得高高的麵條，與色彩鮮豔誘人的配料，在豐富的全球一體文化中，彷彿訴盡韓國那淵遠流長的歷史文化；懸掛的麵條似動非動，充分標示著飲食文化的動態與靜態，既能勾起食慾，又讓人駐足仔細觀賞。

如果我在展場看到這幾件作品真的會很吸引我呢，他把在地下美食街常會看到的假的食物做成藝術品，光是這個點

子，就覺得他真的很有創意，我想這件作品最有趣味和吸引人的地方是尺寸以及細緻度，他把尺寸放大，麵條拉的超級高，並且又做得很細緻逼真。

每一道麵食都是韓國常見的料理，這也是另一種好玩的方式，向世界介紹韓國文化。

Sheet Music Art 樂譜藝術 by Mike Lemanski

Mike Lemanski

Mike Lemanski是一位英國平面設計師，在插圖和排版方面非常出色，他曾與Google，IBM，可口可樂等大公司合作。他所設計的信息圖表和圖形插圖等都習慣用比較硬朗的線條和跳躍的色彩，搭配起來卻有有種不經意間的美感。

會發現這個設計師是因為在網路上剛好看到他的樂譜作品覺得好可愛，於是就查查看，沒想到他的平面設計作品好多阿，而且都很可愛，上面只放了三張，相較於樂譜他的平面設計就簡單化很多，他的用色很大膽，活潑鮮明，用簡單俐落的圖形與線條構出他所要表達的訊息，我覺得他很厲害的一點是因為用色很繽紛，但卻不會顯得雜亂無章，反而清楚的呈現他要表達的資訊，而且每一張他的作品，不管是比較複雜手繪感的樂譜或是簡單設計感的平面設計，都有一種熱情洋溢、活潑開心的感覺，我個人是還滿喜歡他的風格。

山本耀司

黑色同時擁有謙虛與傲慢兩種特質

黑色是慵懶隨性卻神祕莫測的

但總結以上, 黑色其實是在說

"我不煩你, 請你也不要煩我"

 Black is the modest and arrogant at the same time.

Black is lazy and easy – but mysterious.

But above all black says this: 'I don't bother you – don't bother me.'

– Yohji Yamamoto 山本耀司

  山本耀司，1943年，出生於日本横浜；1966年，畢業於慶應大學法律系；1968年，獲裝苑獎，並得到去巴黎學習時裝的獎學金；1970年，從巴黎深造回國，一直活躍在以東京為主的時裝設計界；設計師山本耀司是八十年代闖入巴黎時裝舞台的先鋒派人物之一。他與三宅一生、川久保玲一起把西方式的建築風格設計與日本服飾傳統結合起來，使服裝不僅僅是軀體的覆蓋物而是成為著裝者、身體與設計師精神意韻這三者交流的紐帶。

山本耀司曾經在法國學習過時裝設計，但他並未被西方同化。 西方的著裝觀念往往是用緊身的衣裙來體現女性優美的曲線，山本則以和服為基礎，藉以層疊、懸垂、包纏等手段形成一種非固定結構的著裝概念。

山本喜歡從傳統日本服飾中吸取美的靈感，通過色彩與質材的豐富組合來傳達時尚理的念。 西方多在人體模型上進行從上至下的立體裁剪，山本則是以兩維的直線出發，形成一種非對稱的外觀造型，這種別緻的意念是日本傳統服飾文化中的精髓，因為這些不規則的形式一點也不矯揉造作，卻顯得自然流暢。 在山本耀司的服飾中，不對稱的領型與下擺等屢見不鮮，而該品牌的服裝穿在身上後也會跟隨體態動作呈現出不同的風貌。

我覺得日本設計師很厲害的一點是不容易被西方流行的文化與設計影響，反而能吸收西方的優點之後重新轉化為自己創作的養分，像山本耀司即是，雖然他曾在外國學習時裝，但他的作品卻有濃濃日本的味道，除了用了類似和服的手法之外，我覺得他在顏色的使用上，一件作品不會有太多顏色，幾乎只會是一個顏色，最多兩種，而且大部分都是黑與白，要不然就是紅，還有材質的選用，都讓他的作品給我一種東方禪意、舒適、慵懶、亦新亦舊的感覺。

Sol Lewitt

美國觀念藝術家 Sol Le Witt (1928-2007)，出生於猶太移民家庭的美國藝術家，於1958年成立工作室，並在學院同時攻讀設計，開啟他的創作生涯。於2007年4月8日因癌症病發逝世，享年78歲-

1. Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些? (他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

勒維特是美國60年代的概念與極簡主義藝術先驅，他主張創作應排除所有複雜元素，回到最基本的表現形式，因此他在創作上僅使用簡單的線條、幾何圖形與色彩，在平面的畫布與牆面上組合出多變的造形與奇幻的空間層次感，看著其畫作中既瘋狂又理性的線條，就像是進行一場視覺的測試，不斷重複的色塊與線條，像有 魔力般能將觀者拉進其異境中，絢爛且迷幻，但有時卻又讓人感到眼花繚亂，只好趕緊閉上眼睛免受迷惑。

2. 介紹Sol Lewiit的作品。

1968年以來，Sol LeWitt 創作了數以千計的牆畫。從最初單調的垂線、直線構成畫面，到出現連綿不絕、設計精妙、形狀規整的圓、三角形等幾何元素。作品用色愈發大膽艷麗，材質的選擇包羅萬象，從鉛筆、粉筆、蠟筆、中國水墨到油彩都有所涉獵。

總體而言，黑、白二色是Lewitt牆畫概念的核心，即使是在那些色彩最為絢爛的作品中也一 樣。策展人、獨立藝評家Béatrice Gross解釋說：「籌備的草圖通常用鉛筆勾勒，后按原作指定顏色和深度塗色。黑色和白色真正構築了藝術家的作品：他早期的作品主要使用鉛筆，後期偏愛石墨。」根據所使用的材料和繪畫技藝的不同，黑白表現出強烈的對比，而各種灰度的微妙變化加強了光影的效果，會讓作品更富生機。

作品《Wall Drawing #879》，又名《LoopyDoopy》，標誌著藝術家實踐的劇烈轉向。它有別於初期系統化和模式化的典型風格，是LeWitt作品中的一個異類。

3. 相較於極簡藝術，Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

Sol LeWitt 曾這般說過：「許多成功的觀念都是最直接簡單的，因為那看起來就像是必然如此。」

他強調這類藝術並非有意使觀者感到沈悶無聊，而是認定傳統上經由視覺性修辭所傳遞的情感內容往往會造成一種阻礙。藝術家重視的是「觀念」或「心智過程」的優位性，在此前提下傳訊媒介（形式）越為簡單越好，甚至僅是一種先行理念的附屬品。 

生活中另類的黑色幽默? - 劉瀚之的裝置藝術

劉瀚之（1982-）生於臺灣，畢業於台北藝術大學科技藝術研究所，擅長運用機械零件來設計器具裝置。為「2011臺北美術獎」首獎得主，其創作主要運用低科技機械零件，製成無實際用途的「類道具」，搭配含文字敘述的手繪圖稿，描寫人在生活中面臨空洞時刻或困頓處境，所產生的抑鬱情緒與無力的生活態度。



這些「類道具」所提供的輔助與服務，是對於人某些私密、異常精神狀態的「追加」，使這些內在狀態更戲劇性的表徵於外、加劇於內。這些畸異的內在，來自對現代社會馴化制約的無法投入與逃脫失敗，是在生產線旁的恍惚，在高速公路上的夢遊。使用者從這些器具得到最真切的服務就是畸異性格的放縱，懦弱就懦弱到底，卑微就卑微到頸椎斷裂。　－劉瀚之

第一次看到劉瀚之的作品是在北美館展出的「真真：當代超常經驗」，那時候對他的作品印象深刻，那時展出的作品有〈步行閱讀留言機〉、〈翻書機〉、〈鬆垮矯正機〉、〈揪領器〉和〈窗外〉，剛看到他的作品時，只是覺得是很精巧的機械裝置，但看完每個作品旁的小小漫畫，都會不禁莞爾一笑，我覺得他所做的小機械，完美的表達一種現代社會人的心理狀態，其實有一種頹靡空虛的感覺，不過他卻用很不一樣甚至還滿幽默的方式，讓觀眾重新的審視自己。

Josef Alber & James Turrell

1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介

Josef Alber

  














約瑟夫．亞伯斯是二十世紀最重要之藝術家與教育家之一，無論是放眼現代藝術史，或是從現代藝術教育的發展來看，亞伯斯都是備受尊崇且具有深刻影響力的人物。
生平簡介
約瑟夫·亞伯斯是德國藝術家、設計師、極簡主義大師，畢業於包豪斯設計學院，在藝術方面由於對色彩的純粹化、簡約
化的研究，對於美國現代抽象藝術及美國「歐普藝術」(OP Art)、「硬邊藝術」)(Hard-edge painting)有重大的影響力，其1963年著作“色彩的交互作用”(Interaction of Color)以及“向方形致敬”(Homage to the Square)，都是他的代表作品。

James Turrell

詹姆斯·特瑞爾（James Turrell，1943年5月6日出生於美國洛杉磯）是一位以空間和光線為創作素材的當代藝術家。 特瑞爾出生於加利福尼亞州的帕薩迪納。 他的父母親都是貴格會信徒。他的創作媒介包括天空、光、空間，而且他的作品明顯充滿靈性，常常超越了畫廊或是博物館的領域，鼓勵觀者“與光觸碰”。
2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究

Josef Alber
現代色彩學理論的始祖，對於材料、形式與色彩追求純粹化與簡約化，運用的色彩關係的圖例，這些圖例生動直觀地體現了現代色彩理論。

像是對於紅色，他可能用了好幾種廠牌的紅，仔細推敲類似色的調和與對比色的運用，因此累積出二十世紀最具啟發性也最著名的色彩認知理論，1963年問世《色彩的交互作用》(Interaction of Color)至今仍被認為是視覺色彩研究的經典之著。

1949年起持續發展《向方形致敬》(Homage to the Square)系列畫作，此系列精確地計算了每塊顏色區域的面積，設計好他們之間的對比，將顏色同樣不加調和地直接刮到畫布上，為達到色彩的精確性。三個或是四個同心方由內向外擴展，平面上的色塊呈現出嚴謹的幾何層次進而賦予觀者三度空間的視覺感，此系列也成為他最著稱的藝術「標誌」，他探討形與色關係的藝術與觀念對美國現代抽象藝術的發展產生重大的衝擊與影響，開拓幾何抽象繪畫的新領域，也成為美國「歐普藝術」(OP Art)與「硬邊藝術」(Hard-edge painting)的先驅。

James Turrell

最著名的作品是他目前仍在持續創作中的《羅登火山口》（Roden Crater），這件作品是一個坐落於美國亞利桑那州的弗拉格斯塔夫死火山口。 特瑞爾將這個死火山的噴火口改造成為可用肉眼觀測的天文台，專為欣賞天空上的各種自然現象而設計， 光線塑造的效果，與原始的環境、寬廣的沙漠空間一起，讓人想起火山和自身風景的內部和外部的空間除了光和空間之外，它還使用時間作為藝術的元素，表現天文和地理時期的無限，還有永不停息、不受限制的人類創意。

他的其他作品通常利用封閉空間將觀者包圍，控制觀者接收光線的程度，並且善於以光線隧道和投射手法來創造出看似具有質量和重量的形狀，但其實這些形狀只是光線的投射。

3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式 

Josef Alber

一貫追求有系統、有秩序、實驗性、簡潔的構成，呈現色彩與直線間的精確呼應關係，表現暖色與寒色、寒色與寒色相比鄰所產生的散具與前後推移的空間感，他所表現的重心在追求形與形、色與色之間的關係與平衡。

因此作品的展出方式如同他作品一樣純粹，整齊並列掛在牆上。他的作品嚴謹、細心，每一幅作品仔細地品嘗，便可發現Josef Alber的用心。

James Turrell
特瑞爾的作品挑戰人們快速觀看藝術作品的習慣。 他認為觀者在一件藝術作品上花費的觀看時間太短，以致於無法認真欣賞作品本身。
作品展出方式是嘗試在密閉空間裡投影出"看似"不同質量與重量的色彩光線，讓觀看者對光線產生極度特別的體驗。運用大量色彩與視覺營造錯視，影響人的心理感受。
詹姆斯·特瑞爾自己闡述： “我將光當作一種材料， 但是感知才是我的媒介。我希望你能看你所看，感你所感。”他希望他的作品可以增強人們的感知，並且將這個感知延伸到一個供人沉思和啟示的場所。






參考
http://translate.google.com.tw/translate?hl=zh-TW&sl=zh-CN&u=http://artist.99ys.com/artist/103422&prev=/search%3Fq%3D%25E8%25A9%25B9%25E5%25A7%2586%25E6%2596%25AF%25C2%25B7%25E7%2589%25B9%25E7%2591%259E%25E7%2588%25BE%26rlz%3D1C1SKPC_enTW351%26espv%3D210%26es_sm%3D122

http://www.daz.com.tw/josef-albers/